La playlist de mis 70 años (Parte 2/3)

New Orleans

Muy a menudo digo que la buena música, la que me gusta, tiene siempre un punto común con New Orleans, ciudad de origen o de desarrollo del jazz, del funk, del blues y hasta de la salsa (los intercambios musicales con Cuba fueron muy frecuentes e importantes a comienzos del siglo XX). Para resumir, la música afro-americana tiene una gran deuda con New Orleans. Una excelente fuente de información sobre la cultura musical de la ciudad es Treme, la serie de HBO creada por el gran David Simon. Allí se ve la vida en New Orleans después del huracán Karina de 2006; en sus 36 episodios pueden verse en acción los mejores músicos de la ciudad (Treme es uno de los barrios más antiguos de la ciudad, fundado por negros libres de la esclavitud).

16. Neville Brothers: Fear, Hate, Envy, Jealousy
    Los cuatro hermanos Neville formaron una de las familias emblemáticas de New Orleans, tocando una mezcla de blues, funk, R&B y jazz. Participaron a numerosos grupos, además de ser llamados a menudo como músicos de estudio. Una nueva generación está ya manos a la obra. Aquí se los escucha en concierto en Tipitina, uno de los clubs más famosos de la ciudad, en 1982.
    
17. The Meters: Fire On The Bayou
    Uno de los mejores grupos de funk, con participación de los Neville y con una de las mejores secciones rítmicas de la historia, utilizada en numerosos discos de otros artistas: el guitarrista Leo Nocentelli, el baterista Joseph « Zigaboo » Modeliste y el bajista George Porter. Durante muchos años fueron el grupo de planta de los estudios del famoso productor, pianista y compositor Allen Toussaint, uno de los padrinos musicales de New Orleans. Esta versión es de 1975.
    
18. Dirty Dozen Brass Band: My Feet Can’t Fail Me Now
    Unos de los eventos más importantes de la vida de New Orleans son los desfiles, a la ocasión del famoso Carnaval o de los entierros. Estos desfiles son animados por bandas con importantes secciones de viento. Y la mejor de estas bandas es la Dirty Dozen Brass Band. Esta canción, grabada en 1984, fue utilizada en el desfile del matrimonio civil de mi hija menor, Pitina (casi un homenaje a Tipitina).
    
19. Dr. John: Iko Iko
    Una de las grandes figuras de New Orleans, el Dr. John, de su verdadero nombre Malcolm John Rebennack, fue un gran pianista, guitarrista, compositor y cantante. Adepto de vudú, se creó el personaje de un curandero, el Night Tripper, y se vestía como tal, adornado de collares y todo tipo de amuletos. Sobre su piano siempre estaba una calavera. Ensayé de no perderme ninguno de sus extraordinarios conciertos en Suiza, especialmente en Montreux, hasta su muerte en 2019. El gran productor y bajista Don Was organizó en 2014 un concierto en su honor, con participación de Bruce Springteen, los Neville, John Fogerty, Dirty Dozen Brass Band, Allen Toussaint, entre otras figuras. El disco del concierto fue publicado en 2016: The Musical Mojo Of Dr. John. Iko Iko puede ser considerado uno de los himnos del festival de New Orleans.

Música afro-americana

La música de New Orleans se tomó todo USA, antes del mundo, evolucionando bajo diferentes formas (soul, jazz, R&B, funk, gospel, blues) pero siempre guardando sus raíces africanas y el predominio de los músicos negros. Enseguida ensayaré de dar por lo menos un ejemplo de estos géneros.

20. Marvin Gaye: What’s Going On
    Marvin Gaye es una de las mejores voces de la música popular y What’s Going On es su mejor canción, de una perfección total, grabada en 1971. Gaye hacia parte de Motown, el label de música negra fundado en los años 60 en Detroit y controlado estrechamente por Berry Gordy, que utilizaba un equipo de músicos y compositores para producir un pop que llegara a un gran público, incluyendo los blancos. Gaye fue uno de los primeros en rebelarse, escribiendo letras reflejando los problemas sociales de los negros y las protestas anti-guerra. Desafortunadamente, Gaye murió a los 45 años, asesinado por su padre, un pastor protestante, molesto por las connotaciones sexuales de algunas de sus letras
    
21. The Temptations: Papa Was A Rollin’ Stone
    Otra gran figura de Motown, The Temptations era un grupo vocal estrechamente controlado por el productor y compositor Norman Whitfield. Formados inicialmente por 5 cantantes, sus actuaciones eran conocidas, además de por sus extraordinarias armonías vocales, por las coreografías sofisticadas. El LP Masterpiece, publicado en 1973 y enteramente compuesto por Whitfield, puede verse casi como un solo del productor, que le dio mucha importancia a los arreglos instrumentales y disminuyó la presencia de las voces. Fue uno de mis discos fetiches en Colombia, que llevaba a todas partes y que inició mi adoración por los productores, convencido que sería mi profesión. Cuando llegué a Suiza, una de las primeras cosas que hice fue buscar el mayor número de discos de Motown, bastante escasos en Colombia. Papa Was A Rollin’ Stone es del álbum All Directions (1972): es el mejor tema de Temptations y los de Masterpiece son muy largos y casi instrumentales
    
22. Stevie Wonder: Superstition
    Niño prodigio ciego de Motown, bajo el nombre Little Stevie, Stevie Wonder, al igual que Marvin Gaye, se independizó de Berry Gordy, tomando el control de su obra. Su primer éxito comercial lo tuvo a los 13 años. Verdadero genio, grabó varios de sus discos como único instrumentista, a pesar de su ceguera y de sus complejos arreglos, mezcla de jazz, soul et R&B. Superstition hace parte del LP Talking Book, producido en 1972. Wonder se presentó en Montreux en 2014; allí estuve con mi nieto Mateo, de 7 años, quien sorprendió el publico alrededor con su conocimiento de la obra. Uno de los mejores conciertos de mi vida. Como dato curioso, el hermano de Richie Ray, Ray Maldonado, fue trompetista en varios de los éxitos de Wonder: esta colaboración y el gusto de Wonder por la música latina explica su presencia en conciertos de Fania.
    
23. Aretha Franklin: Respect
    Las mujeres ocupan un lugar especial en la música afro-americana. Y cuatro mujeres me han producido las mayores emociones, me han acompañado en momentos de tristeza, de alegría, de nostalgia, trayéndome lágrimas o poniéndome a mover el cuerpo (no me atrevo llamar baile esos movimientos míos): Aretha Franklin, Etta James, Bettye LaVette y Nina Simone.
    
    Aunque es difícil establecer un ranking, creo que Aretha es la más grande. Hija de un pastor religioso, bañó desde pequeña en el gospel, cantado regularmente por los coros de la iglesia de su padre. Aprendió a tocar piano desde pequeña y muy pronto mezcló la música secular con la religiosa, llegando a ser conocida como la Reina del Soul. Artista de numerosos discos (el primero, una grabación de gospel, lo hizo a los 14 años, es difícil escoger uno (aunque si es fácil eliminar los últimos, donde se orientó al pop más comercial). Sin embargo, una mención especial tiene que darse a Amazing Grace, un doble LP de gospel, grabado en vivo en una iglesia con un coro y acompañándose ella misma al piano. El concierto fue filmado bajo la dirección de Sydney Pollack pero solo fue publicado en 2018, por problemas de sincronización iniciales y por la extraña oposición posterior de Franklin. Si se quiere conocer el gospel o, más simplemente, si se quiere tener la piel de gallina escuchando una música celestial, hay que procurarse este video. La canción aquí incluida es una producción de 1967 del genial Jerry Wexler, que produjo para Atlantic los mejores discos seculares de Franklin. Respect es una canción de reivindicación de los derechos de los negros, compuesta por Otis Reding.
    
24. Etta James: You Can Leave Yout Hat On
    Llamada por Jerry Wexler “la más grande cantante moderna de blues”, James nunca alcanzó la popularidad que merecía, a causa, en parte, de sus numerosos problemas legales y de droga. En 1978, los Rolling Stones ensayaron de sacarla de la oscuridad invitándola como primera parte de sus conciertos. En 2008 alcanzó una nueva popularidad gracias a la película Cadillac Records, historia de Chess, el famoso label de blues de Chicago, donde su personaje es interpretado nada más ni nada menos que por Beyoncé. Esta canción, compuesta por Randy Newman y famosa por la versión de Joe Cocker como banda sonora de la película 9 Semanas y Media, hace parte del álbum Burnin’ Down the House, grabado en vivo en 2002, con un excelente grupo que incluía dos de sus hijos. Un DVD existe igualmente con la grabación del concierto: su visión es indispensable.
    
25. Nina Simone: My Baby Just Cares For Me
    Nina Simone, hija de una pareja de pastores religiosos, fue niña prodigio del piano y obtuvo una beca para estudiar piano clásico en la famosa escuela Julliard de New York. Sin embargo, problemas de segregación racial la hicieron desviar al jazz y comenzar una carrera de pianista y cantante. Figura de las luchas por los derechos de los negros, activista, militante, Simone fue muy discriminada en USA, lo que la hizo trasladar su carrera a Europa, donde sus problemas de alcoholismo son visibles en varias grabaciones de sus conciertos. Esta canción, grabada en 1959, alcanzó los primeros lugares de ventas en Europa gracias a su utilización en una publicidad del perfume Chanel No. 5.
    
26. Bettye LaVette: Let Me Down Easy
    La única de estas 4 cantantes todavía viva y activa, Betty LaVette es intérprete de álbumes que pueden comprarse los ojos cerrados, seguro de su gran calidad. Y su presencia escénica es una garantía de conciertos llenos de emociones. Un articulo completo sobre ella puede ser consultado en un numero anterior de este blog. Let Me Down Easy es una de sus canciones emblemáticas, grabada por primera vez en 1965.
    
27. James Brown: Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine
    Tal vez el mejor showman que he visto en mi vida (en dos conciertos de Paléo, en 1986 y en 2002), conocido con apodos como Padrino del Soul o Mister Dinamita. Su orquesta, donde sobresalía el famoso grupo de vientos los J.B.’s, calentaba el público para preparar su entrada como un campeón de boxeo, vestido de una capa que le retiraba uno de sus varios servidores, presentado por un MC a su gloria. Y durante su show, mezclando funk y soul, era imposible no moverse, aunque fuera imposible imitar sus geniales coreografías. Sex Machine fue grabado en 1970, con músicos que fueron luego grandes figuras del funk por si mismos: Bootsy Collins, Fred Wesley, Maceo Parker, Bobby Bird, entre otros.
    
28. Prince: Sexy Mother Fucker
    Si James Brown es la figura clásica del soul y el funk, Prince es la figura más moderna, más abierto al rock y a músicas más contemporáneas (electro, disco y rock psicodélico, por ejemplo). Multi-instrumentista y compositor, algunos de sus solos de guitarra figuran entre los mejores de la historia. Gran casanova, produjo varias de sus protégées y el sexo fue un tema recurrente de sus composiciones. Sus cambios de nombre y sus problemas con las discográficas fueron frecuentes. Sexy MF (nombre oficial de la canción para evitar problemas de censura) hace parte del álbum Love Symbol de 1992.
    
29. Ray Charles: Georgie On My Mind
    Una de mis mayores penas musicales es no haber visto nunca Ray Charles, uno de mis ídolos absolutos, en concierto. Cantante, compositor y pianista ciego, Charles tiene una obra inmensa y repleta de canciones geniales, mezcla de jazz y gospel, al origen del soul. Sus numerosos éxitos comerciales le dieron un lugar privilegiado en la música popular gringa, más allá del publico negro. Georgia on my Mind, compuesta por Hoagy Carmichael, grabada en 1960, es una de mis canciones preferidas. Como dato curioso, Ray Charles fue muy popular en el medio salsómano caleño de los años 60, con su canción Hit The Road Jack, que se bailaba en versión acelerada y bajo el nombre Mono, Mono, pronunciación caleña del No More, No More de Ray Charles.
    
30. Bill Withers: Ain’t No Sunshine
    Una de las mejores voces de la música gringa, Bill Withers fue el compositor de canciones donde se expresaba su profundo humanismo. En los años 80 sus frecuentes conflictos con la industria discográfica lo hicieron retirarse, viviendo pasiblemente de las ganancias de sus éxitos anteriores. Ain’t No Sunshine, grabado en 1971, ganó un Grammy a la mejor canción R&B y vendió más de un millón de copias. El documental Still Bill, realizado en 2009, es un excelente retrato de un artista delicado y humano, dedicado a su arte y su familia, alejado de otras consideraciones.
    
31. Ben Harper & The Blind Boys Of Alabama: Take My Hand
    Una de mis mayores emociones musicales, salpicada por lágrimas frecuentes, me la proporcionó el concierto de los Blind Boys of Alabama, en Montreux, en 2009. Uno de los más grandes grupos de gospel, fue también uno de los más longevos: creado en los años 20, publicaron este año un último disco, justo después de la muerte de su ultimo miembro fundador. En mitad del concierto de Montreux, uno de los cantantes, de la mano de un guía, baja del escenario para mezclarse con el publico y cantar con él: ¡le pude dar la mano! Esta versión de Take my Hand es grabada en concierto, acompañados por Ben Harper, uno de sus numerosos admiradores contemporáneos.
    
32. B.B. King: The Thrill Is Gone
    B.B. King es una de las pocas figuras clásicas del blues que pudo vivir muy agradablemente de su música, invitado permanente de los principales festivales europeos, acompañado por una gran orquesta y su inseparable guitarra Lucille, que tocaba sentado, agobiado por su sobrepeso y vestido siempre con elegante vestido de tres piezas y corbata. Tuve oportunidad de verlo varias veces en Montreux, a menudo acompañado por otros grandes guitarristas, jóvenes y viejos. Además, una estatua representándolo adorna uno de los bordes del lago, cerca de la principal sala de conciertos de Montreux. The Thrill is Gone, blues-rock grabado en 1969, fue su mayor éxito, grabado por cantidad de otros intérpretes.
    
33. Muddy Waters: Hoochie Coochie Man
    Nacido en el Mississippi, cuna del blues rural, Muddy Waters se desplazó a Chicago, donde participó a la creación de un blues más citadino, eléctrico, concentrado alrededor de la discográfica Chess Records. A comienzos de los años 70 hizo parte del boom del blues en Inglaterra, donde fue invitado con otros bluesmen de Chicago, adorados por los Rolling Stones y toda la crema del rock inglés. Esta versión de Hoochie Coochie Man, una de sus canciones más conocidas, compuesta por el gran Willie Dixon, fue grabada en 1977, acompañado por un grupo dirigido por Johnny Winter, el excelente guitarrista albino de rock blues.
    
34. John Lee Hooker & Van Morrison: Shakin’ All Over / Gloria
    John Lee Hooker, contemporáneo de Muddy Waters, hizo parte igualmente de Chess Records. Admirado por numerosos rockers, en los años 80-90 grabó duetos con artistas como Santana, Robert Cray, Los Lobos, Keith Richards y Van Morrison, entre otros. Esta canción me da la ocasión de volver a escuchar a Van Morrison, cantando Gloria, su primer gran hit, en concierto en San Francisco, en 1994. En el grupo de Van Morrison están Georgie Fame al órgano y Candy Dulfer al saxo.
    
35. Dizzy Gillespie: Manteca
    Uno de los más grandes trompetistas de jazz, Dizzy Gillespie me impresionó siempre por la manera como deformaba la cara con la gran cantidad de aire que acumulaba para soplar en su instrumento. Amante de la música latina, Gillespie se rodeó siempre de músicos, compositores y arreglistas latinos. Manteca es una colaboración con el gran percusionista cubano Chano Pozo, grabada en 1947 y considerado uno de los temas fundadores del latin jazz.
    
36. Duke Eliington: Caravan
    Seguramente uno de los temas de los que poseo más versiones y escucho más a menudo, fue difícil escoger una versión para esta playlist. Finalmente escogí la versión original, de Duke Ellington, quien la compuso en 1936 con su trombonista puertorriqueño Juan Tizol.
    
37. Sonny Rollins: St. Thomas
    Uno de los más grandes saxofonistas de jazz, Sonny Rollins estuvo influenciado un tiempo por la música caribeña (sus padres eran nativos de las Islas Vírgenes) y St. Thomas, grabado en 1956, es una muestra de esa época. En 1981, Rollins acompañó a los Rolling Stones en tres canciones del álbum Tatoo You. Todavía vivo, problemas de salud lo tienen inactivo.
    
38. Dave Brubeck: Take Five
    Único tema de este grupo grabado por músicos blancos, Take Five me hizo conocer el jazz: una conjunción particular de Júpiter con Saturno hizo que el álbum Time Out del cuarteto del pianista Dave Brubeck, grabado en 1959, llegara a Cali y que yo fuera su comprador. Además de Take Five, compuesto por Paul Desmond, el saxofonista del grupo, el álbum tenía un segundo tema Blue Rondo à la Turk, del que también me convertí en un obseso. Queriendo evangelizar el mundo alrededor mío, llevaba el álbum debajo del brazo, ensayando, con muy poco éxito, de hacerlo escuchar a un público poco receptivo.